Meine sehr geehrten Damen & Herren,

unsere Vorstellung von der Bildenden Kunst in der Türkei ist meist von folkloristischen Vorstellungen geprägt. Dieses Bild entspricht natürlich nicht der Realität, denn die Türkei ist, zumindest was die Städte, vor allem Ankara und Istanbul angeht, ein sehr modernes Land, das auch eine lebendige Kunstszene hat, die international vernetzt ist. Das zeigen sowohl die Biennalen, die in den vergangenen Jahren in der Türkei stattfanden, als auch die Wahrnehmung zeitgenössischer türkischer Künstlerinnen und Künstler auf dem internationalen Parkett. So gab es zum Beispiel vor einigen Jahren im Haus Konstruktiv in Zürich eine vielbeachtete Ausstellung zum Thema Abstraktion in der Türkei. Dort waren 80 Arbeiten von 21 Kunstschaffenden zu sehen, die mit ihren Werken die Zeitspanne zwischen 1949 und der Gegenwart der konstruktiv-konzeptionellen Richtung markierten. Namen türkischer Maler wie Ahmed Oran sind mittlerweile unter Kunstsammlern hier im Westen geläufig. Die aus der Türkei stammende, heute in Berlin lebende Künstlerin Pina Öğrenci ist bei der diesjährigen documenta in Kassel mit dabei.

Die türkische Kunst stand und steht in einem ausgeprägten Spannungsverhältnis zwischen Tradition und Innovation, mehr noch: In einem besonderen Maß wird hier die Stellung der Kultur dieses Landes am Schnittpunkt zwischen Orient und Okzident deutlich. Dies war schon bei den Künstlern vergangener Generationen offensichtlich, die sich an Paris und dem französischen Impressionismus orientierten. Beispiele hierfür sind Halil Pascha, 1857 geboren. Er studierte in Paris an der Akademie Jean Leon Gerôme und reüssierte in seiner Heimatstadt Istanbul als Landschaftsmaler. Ebenso Nazim Ziyan Güran, 1881 geboren. Er studierte in Paris an der Akademie Julian, die in dieser Zeit zu den gefragtesten Ausbildungsstätten für ausländische Künstler in Paris gehörte. Am deutlichsten kommt diese Auseinandersetzung mit diesem Spannungsverhältnis in unserer heutigen Ausstellung in der SAMMLUNG & GALERIE BÖHNER in den Arbeiten von Nilgün Sipahioglu Dalay zum Ausdruck, wo die Widderfrau als wilder femininer Archetypus für das Postulat steht, hier männliche und weibliche Charakterzüge, die in der traditionsgeprägten Türkei strikt voneinander getrennt sind, miteinander zu vereinigen. Gibt es in Nilgün Sipahioglu Dalays Bildern sicherlich Spuren, die auf das Land Türkei schließen lassen, so sind die Gedanken, die sie darin verarbeitet universell. Dies gilt auch für die ihrer zehn Kolleginnen und Kollegen aus der Türkei, die heute hier in der imposanten Ausstellung zu sehen sind. Kultur kennt keine Vaterländer, Kultur ist ein Vaterland, dem man als Kulturmensch und erst recht als Kunstschaffender unmittelbar angehört. Insofern ist diese Ausstellung hier ebenfalls universell und neben den elf türkischen Künstlern stehen die Arbeiten von fünf deutschen, die sich ganz organisch in diese Ausstellung einfügen.

Die heute hier bei Böhner gezeigten Arbeiten sind, wie Sie beim ersten Gang durch die sehr weitläufigen Ausstellungsräume festgestellt haben werden, in erster Linie aus dem Bereich der Malerei und zum größten Teil figurativ oder erzählerisch. So die der 1969 in der Türkei geborenen Elif Okur Tolun. Sie lebt heute in Ankara. Ihre oft in krassen hell-dunklen Tönen gehaltenen Kompositionen lassen an Winterlandschaften denken. Die schwarzen Krähen, die so gar nicht in unser Bild von der Türkei passen wollen, verstärken diese Atmosphäre noch. Dabei verschmelzen Abstraktion und Figuration übergangslos ineinander. Im vorderen Bereich kontrastieren ihre Bilder mit den Bronzeskulpturen von Yildiz Yilmaz Kacar, die 1978 in Istanbul geboren wurde. Sie studierte an der Sakarya Universität in Istanbul. Dort erlernte sie die Kunst der Keramik, eine sehr archaische Kunstform, die sie auch auf andere Materialien und Techniken übertrug. So haben ihre kleinen Bronzeskulpturen, die sie hier sehen, einen prähistorischen Charakterzug, der an Artefakte aus untergegangenen Kulturen denken lässt. Der Kontext, in dem sie stehen, erscheint uns rätselhaft. Die Titel wie „Women without name“ der Serie hilft bei der Deutung auch nicht weiter. Die bizarre Formgebung und die Schönheit der farbigen Oberflächen bezaubert.

Ihr benachbart sind die Arbeiten von Olgu Sümengen Berker, die ebenfalls Keramik studiert hat. Ihre Plastiken sind sowohl in der Türkei als auch in Deutschland sehr gefragt, was sich nicht zuletzt in der Vielzahl der Einzelausstellungen, welche die 1978 geborene Künstlerin bereits erfolgreich absolvierte, zeigt. Dabei huldigt sie bei der Formgebung keineswegs der landläufigen Idealisierung des weiblichen Körpers, sondern wählt einen eher realistischen Blick. Von zentraler Bedeutung bei ihren Plastiken ist vor allem die Oberfläche, die auf eine sehr akzentuierte Weise hervorgehoben wird. Dabei kommt ihr der Werkstoff Porzellan, bei dem im Gegensatz zum Steinzeug Ton und Glasur miteinander verschmelzen, sehr entgegen, denn durch die milchige Transparenz des Porzellans kommt die malerische Strukturierung dieser Oberflächen besonders gut zum Tragen. Aysel Gözübüyük und Hatice Terzi Aykanat sind zwei Künstlerinnen, die in einem Teil ihrer Werke ähnliche Sujets bedienen. Hierbei geht es ebenfalls um die menschliche Figur als Metapher für die innere Befindlichkeit. Bei Gözübüyük ist es ein Moment, in dem man sich nicht beobachtet fühlt, und sich ganz bei sich wähnt. Diesen Augenblick genau zu erfassen und in eine reduzierte aber vollständige Bildsprache zu übersetzen, ist das Ziel, das beide auf unterschiedliche Weise umsetzen. Gözübuyük baut ihre Bilder in Farbschichten auf. Wohingegen Aykanat die Zeichnerin ist. Bei ihren Multiples verwenden die Künstlerinnen Plexiglas, das sie auf der Rückseite bedrucken und so den Eindruck des Schwebens verstärken.

Im Gegensatz zu den bisher genannten Künstlerinnen aus der Türkei, die alle eine akademische künstlerische Ausbildung absolvierten, kommt der 1953 geborene Savas Karagözlü aus dem Wirtschaftsbereich. Mit Malerei beschäftigte er sich neben dem Beruf. Seit 2002 nimmt er an internationalen Gruppenausstellungen teil, so in Frankreich, Spanien und den Arabischen Emiraten. Was Sie hier von ihm sehen, sind Pferdebilder. Geheimnisvoll winden sich die Formen aus der dunklen Malfläche heraus. Dabei wirkt der vielschichtige Farbauftrag informell aufgetragen. Eher malerisch unter weitgehendem Verzicht auf Zeichnung entstehen hier die Konturen spielerisch aus Licht und Schatten. Die Kunst der türkischen Künstler korrespondiert, wie gesagt, mit den Arbeiten von fünf deutschen Teilnehmern. Philipp Wagenmanns Skulpturen begegnen wir nicht nur hier im Foyer, sondern auch ganz oben auf der Dachterrasse der Galerie, wo er mit seinen monumentalen Arbeiten vertreten ist. Dabei orientiert sich Wagenmann an den Naturformen teilweise sehr alter Baumstämme, die er mit Vorliebe verwendet. Seine künstlerischen Ambitionen und seine Arbeit als Werklehrer in einer Walldorfschule gehen dabei Hand in Hand.

Bei Margret M. Hübschen sind es Bronzeplastiken, mit denen sie das Unsichtbare sichtbar macht. Die menschliche Figur bringt hier durch die Haltung, die sie einnimmt, das Innere nach außen. Dabei unterstützt das reflektierende Licht bei den Bronzen das sinnliche Erleben der Form. Bei einem Teil ihrer Arbeiten verwendet sie Stuck, um gerade diese Reflexion auszuschalten und den Blick ganz auf die Dynamik zu konzentrieren. Sind es bei Margret M. Hübschen die Körper, die durch ihre dezidierte Haltung Innerlichkeit äußerlich abbilden, so sind es bei Serdar Leblebici, der 1961 in Izmir geboren wurde, die Porträts, welche als Spiegel der Seele erscheinen. Dabei schälen sich die Gesicher förmlich aus einem Nebelschleier von fein aufeinander abgestimmten Farben heraus. Leblebici stellt damit einen spannungsreichen Schwebezustand zwischen komplexen Physiognomien und aperspektivischen räumlichen Suggestionen her. Seinen Arbeiten gegenüber befinden sich die Bilder von Nuray Tümer, die 1960 in Deutschland geboren wurde und heute in Izmir ein Maleratelier betreibt. Ihre Bilder stecken voller Dramatik, die im Zusammenspiel zwischen Porträt und Landschaft entsteht. Dabei bedient sie sich eines Archetypus, nämlich dem des Waldes. Welche Erlebnisse mögen hier den Anlass gegeben haben?

Ähnlich spannungsvoll erzählerisch, koloristisch aber weit komplexer als bei Tümer, erscheinen die Arbeiten von Filiz Pelit. Schon allein der aperspektivisch informelle, durch sich wechselseitig durchdringende Farbschichten erzeugte Hintergrund, zieht den Blick des Betrachters magisch auf sich. Zu diesem so inszenierten atmosphärischen Bildraum passen die geheimnisvollen, sensibel ausgearbeiteten Feengestalten. Wie sehr es Nurhilal Harsa auf die koloristische Wirkung der Farbe ankommt, sieht man in den beiden Werkbereichen, die sie hier ausstellt. Menschliche Physiognomie, vor allem die Augen, aber auch die Landschaft mit zauberhaften koloristischen Nuancen sind dabei die Projektionsflächen, wo sie ihre Farbenspiele entwickelt. Diese Landschaften auf Papier korrespondieren mit Arbeiten gleichen Sujets von Blanka Mandel, denen wir im zweiten Obergeschoss der Galerie begegnen. Hier überwiegt allerdings die Freude an der Farbe gegenüber der Suche nach Struktur. Mandel bewegt sich im Bereich des reinen Informel, wobei die Farbschleier eine weite Raumwirkung entfalten. Für die Arbeiten von Utaellamaria Peter, die aus Rheinhessen stammt, braucht man eine Weile und sollte sich die Zeit dafür auch nehmen, denn in ihrer ironisch humorvollen Art zu malen leistet sie doch auch ein Stück Kulturkritik und am Umgang des Menschen mit seinen Mitgeschöpfen zwecks Aufbaus einer Zivilisation, die unglücklich macht. Die Malerin Mona Pfürtner wurde in Köln geboren, lebt aber schon seit vielen Jahren in Berlin. In der Serie, die sie für Mannheim ausgewählt hat, geht es um ihre Wahlheimat. Allerdings zeigt sie uns nicht die Highlights, die jeder kennt. Sie nimmt uns vielmehr mit auf ihren ganz privaten Weg durch ihr Viertel und macht uns mit dem Charme des Alltäglichen bekannt, mit dem Zauber, der dem Touristenblick verborgen bleibt.

Text: Dr. Helmut Orpel